Что такое фелтинг?

Фелтинг - это вид рукоделия, особая техника валяния шерсти, в процессе которой натуральная шерсть превращается в войлок нужной формы. В такой технике делают валяные игрушки, панно, а также декоративные детали одежды и всевозможные аксессуары. Сумки, например. Для фелтинга пригодна только натуральная непряденая шерсть. С помощью специальной иглы для фелтинга шерсть «набивают» или фальцуют, проще говоря, сваливают. Моя кошка умудряется сваливать на себе шарики из шерсти, если ее не расчесывать. Многократно протыкая шерстяные волокна иголкой, можно добиться оформления пучка шерсти в плотное шерстяное изделие нужной формы: обычно сухое валяние с успехом применяют для создания объемных изделий, в том числе войлочных бусин, фигурок, брошей и т.д.

А вот мокрое валяние – когда изделие создают из мокрой шерсти, которую уплотняют в горячей воде или мыльном растворе – применимо для создания произведений из полотен: панно, обуви, палантинов и т.д. Шерсть обладает свойством образовывать прочное однородное полотно под воздействием трения, и эта особенность с успехом используется в декоративно-прикладном творчестве. Вспомните хотя бы те же валенки, которые изготовлены с помощью мокрого валяния.

Но не будем отвлекаться. Речь идет о фелтинге: создании изделий из непряденой шерсти с помощью специальной иглы. Секрет прост: иглы с насечками способствуют спутыванию шерсти во время протыкания шерстяного комочка, тем самым способствуя постепенному увеличению плотности изделия, т.е. процессу валяния.

Вот такие штуки, например, делает из непряденой шерсти Юлия Казакова с помощью сухого или мокрого валяния. Такие миниатюры с успехом могли бы украсить осеннее женское пальто. Или шляпу.

Как сделать мозаику?

Мозаику можно собирать из самых разных материалов: дерева, камня, стекла… Но самым доступным и популярным «сырьем» для изготовления декоративной мозаики является яичная скорлупа. Да-да, самая обыкновенная скорлупа. Вы ведь прекрасно знаете, какая она одновременно и хрупкая, и прочная.

Существует несколько вариантов изготовления мозаики из скорлупы. Если вы «готовите» свое дизайнерское блюдо из свежей скорлупы (а это лучше и проще), то в первую очередь бывший домик цыпленка необходимо очистить от пленки, промыв в воде.

Далее – самый быстрый и простой способ, подойдет для изготовления поделок с детьми.
На выбранную поверхность – будь то дерево, картон или керамика, наносится эскиз. Далее с помощью клея и ножниц создается рисунок из яичной скорлупы: во время приклеивания( от распрямления) яичные заготовки распадаются на множество осколков. «Осколочную картину» выравнивают, придавливая чем-нибудь ровным. После того, как яичный контур ровно наклеен (сгодится и клей ПВА), его расписывают акриловыми красками, а после высыхания закрепляют результат лаком.

При более серьезном подходе к изготовлению мозаики, процесс становится более трудоемким. Скорлупки заранее окрашиваются с помощью красителей для текстиля, например. После чего из осколков на подготовленной поверхности, смазанной клеем, с помощью пинцета выкладывается картина.

Иногда полуготовая мозаика – т.е. наклеенный рисунок - шлифуется мелкой-мелкой наждачкой или бумагой для обретения матового эффекта. Все зависит от художественной задумки автора. Матирование яичной поверхности позволяется добиться эффекта имитации слоновой кости.

Если мозаику предполагается сделать не сразу, а по истечении какого-то времени, то скорлупу наклеивают на папиросную бумагу и уже в таком виде – в виде листов полуготового сырья – хранят до нужного момента. В качестве иллюстрации приведена картина Любы Мешакиной.

Какое искусство пользуется спросом?

C помощью красок для стекла можно превратить обыкновенную стеклянную вазу в оригинальный предмет интерьера – живописные узоры или тонкие, по-витражному просвечивающие на солнце пейзажи...? Если в ваших руках кисть, то вам и решать, что будете созерцать каждый день. Новые материалы на полках магазинов так и повергают в соблазн самостоятельно создать какое-нибудь изделие. Например, из современных самозатвердевающих пластиков вполне можно вылепить игрушки, брелки, бусины…а быть может подсвечник?

Для многих декоративно-прикладное творчество становится увлекательным хобби. А поучиться мастерству и почерпнуть новые идеи можно на выставках профессионалов. Возможно, поэтому экспозиции произведений ДПИ получают все большую популярность.
В последнее время заметно возрос интерес людей к произведениям искусства, которыми можно не только полюбоваться в залах музеев, но еще и забрать с собой, чтобы украсить свой дом. Причем – не только с эстетическим замыслом, но и с практической пользой. Картины, вышитые на подушках, шторы с авторской росписью, шкатулки с тонкой резьбой собирают на выставках декоративно-прикладного искусства тех, кому интересны неповторимые вещи.

Глина, дерево, войлок и текстиль – вот основные материалы, которые по воле мастера становятся произведениями искусства. Шедевром декоративного творчества может стать любой предмет домашнего интерьера – от ваз, кувшинов и блюд до ковров и одеял. Их отличие от обычных в том, что они передают богатый внутренний мир автора.
По словам современных художников, мода на евроремонт приводит к тому, что квартиры и офисы стандартизируются, становятся в какой-то мере безликими и холодными. И именно поэтому люди обращают внимание на такие вещи, которые могут придать интерьеру своеобразие и теплоту.

Особенно необычно смотрятся на гладких холодных стенах панно из войлока. Возрождение традиции работы в этой технике стало мировой тенденцией. «Сказы Караидели», «Мировое дерево», «Охотник» – эти и другие работы стерлитамакских художниц Ольги Литвиненко и Гузель Мухамедьяровой никому не позволили пройти мимо. Светлые, темные, белые кусочки шерсти закатаны в причудливые многослойные загадки, которыми можно любоваться, разгадывать, а фактура материала передает ощущение тепла. Техника работы с войлоком весьма трудоемкая, работ таких на выставках (если это не специализированная экспозиция), как правило, немного, и стоят они весьма недешево.

Наряду с панно из войлока и текстиля интересны картины, выполненные в декоративной манере. Яркие краски, сказочные образы, использование инородных материалов для отделки привлекают внимание к жизнерадостным произведениям искусства. Зрителю и самому хочется прийти домой, взять в руки кисть с позолотой и усовершенствовать какой-нибудь пейзаж или натюрморт. К тому же декоративное направление не запрещает использовать для украшения картин блески, бусинки и тому подобные вещи – главное, чтобы они не противоречили художественному замыслу. Еще одна изюминка экспозиций подобного рода – авторские куклы. На одной из таких выставок сказочную атмосферу вокруг себя создавали Шаманка и Сирин уфимской художницы Веры Деркач и веселые персонажи ее коллеги Любови Лаврентьевой-Нафиковой. Четко вылепленные черты морщинистого чукотского лица с хитринкой, оригинальная одежда из кожи, своеобразная национальная обувка – украсить шкаф подобной игрушкой желали бы многие. Но – увы! – цена за подобную работу равняется среднестатистической зарплате по городу.

Как правило, выставки декоративно-прикладного искусства проходят в форме ярмарок. Поэтому экспонаты можно не только посмотреть, но и потрогать и приобрести понравившиеся работы. Это могут быть огромные керамические вазы, деревянные резные доски или необычные бусы из войлока…
Количественно среди произведений декоративно-прикладного творчества преобладают текстильные работы. И это неудивительно: ткань – это самый доступный материал. Кто-то любит лоскутную технику – пэчворк – и, соединяя однотипные или разнофактурные материалы, добивается художественных эффектов, кто-то рисует по ткани специальными красками. Но есть и такие мастера, кто воплощает свои фантазии в текстильной скульптуре.

Декоративно-прикладное искусство с одной стороны близко к традициям народного творчества, с другой – к тенденциям современной культуры. Сочетая веяния последнего с практичностью первого, художники добиваются эффекта «одомашнивания» искусства. И каждому, кто приходит на подобную выставку, почему-то хочется унести с собой хоть что-то, сделанное талантливыми руками…

Как появилась миниатюрная скульптура?

История теперь вынуждена умолчать о том, кому первому пришло в голову делать объемные изображения из глины, дерева и камня. За давностью лет имя первого скульптора-самоучки не сохранилось. Зато ученым удалось установить, что лепить наши предки начали намного раньше, чем рисовать. Впрочем, еще раньше, чем лепить, по-видимому, они научились вырезать фигурки из камня.

Первые миниатюрные скульптурки довольно высокого уровня были созданы 25 тысяч лет назад. Это на десять тысяч лет раньше, чем люди стали наносить изображения на стены пещер и гротов. Специалисты в этой области считают, что скульптурные произведения искусства в ту пору наделялись магическим значением. Вот вылепит креативный кроманьонец фигуру дикого оленя, пронзит ее дротиком и – удача обеспечена. Значит, охота будет удачной. Но, увы, эра колдовства и охотничьих верований осталась в прошлом.

А представьте, как было бы здорово, если бы и сегодня такие ритуалы сохранились. Вот захотел иномарку – взял да и вылепил ее из глины, а там глядишь – и сон в руку – и покупка через день. Ну, а если даже не поможет, то скульптурная композиция вполне может стать достойной деталью убранства какого-нибудь автосалона, картинг-парка или агентства «Автомобили напрокат». Но вернемся в исторически славную эпоху на 25 тысяч лет назад.

Удивительно то, что первыми работами древних скульпторов были в основном фигурки животных и фигурки женщин. Скорее всего, зоркий глаз первого художника эпохи палеолита заприметил в каком-нибудь причудливом камне мягкой породы или куске дерева сходство с образом знакомого ему дикого зверя и решил довести это изображение до ума. Особой популярностью пользовался бизон, а также дикие туры, мамонты, носороги. Размер эти произведения имели небольшой: сантиметров 10-15 высотой.

Весьма неширокому кругу творческих интересов историки нашли свое логичное объяснение. Полагают, что древние люди боялись животных и поэтому их лепили. Нужно же было видеть, кого ты собираешься заклинать. Цветы, деревья и горы столь сильных эмоций не вызывали, и поэтому были лишены возможности попасть в историю древнего искусства. Кроме того, традицию изображения животных из камня, глины и слоновой кости археологи связывают с тотемными верованиями: у каждого рода был зверь, с которым ощущалось кровное родство.

А женщины… Многие художники и сегодня выбирают этот образ в качестве ведущего в своем творчестве, ибо чью фантазию могут оставить равнодушной необычайно совершенные человеческие формы… Но серьезная наука видит причину выбора этих персонажей, которых, к слову сказать, прозвали «венерами», отнюдь не в эстетических предпочтениях древнего художника. Попытки ряда историков трактовать выбор темы в «эротическом ключе» их оппоненты считают грубой модернизацией: ну, не мог древний скульптор видеть в условиях привычной повседневной обнаженности нечто притягательно-запретное… Все опять же объясняют колдовством, традициями, обычаями и верованиями. Просто в ту пору, когда искусство только начиналось, люди жили по принципу матриархата. Фигурки имели довольно массивные тяжеловесные формы, почему-то с редуцированными ногами и руками. Так что исследователям остается логично предположить, что они были своего рода символом материнства и плодородия. Хотя и эту точку зрения можно оспорить.

Как бы там ни было, но палеолитическим художникам, по-видимому, очень нравилось мастерить подобные произведения искусства. Женские статуэтки из камня и слоновой кости обнаружены в самых разных сторонах мира – от Франции до Восточной Сибири. Их коллекция насчитывает более ста только подлинных образцов. Кстати, именно женские образы были первыми антропоморфными – то есть, представляющими человека - изображениями.

В современном искусстве миниатюрной скульптуре долгое время отводилась роль эскиза. Миниатюрная скульптура рассматривалась как уменьшенная модель будущего объемного произведения искусства. И только в 1970-е в нашей стране ее начинают воспринимать как самостоятельный жанр. Современные художники создают объемные изображения из самых разных материалов – глины, пластика, стекла, бронзы, драгоценных металлов… Впрочем, в детстве каждый из нас хоть чуть-чуть, но побывал в роли скульптора. История жизни в этом смысле отчасти повторяет историю человечества. Или в вашем доме никогда не было пластилина?

Как написать шедевр? О технике живописи.

Не каждый день и не всякому удается побывать в мастерской настоящего художника. А тем более – понаблюдать за процессом творчества. Питерский живописец Владимир Пантелеев считается одним из лучших акварелистов современности. Для тех, кто только начинает писать картины и для тех, кто просто с любопытством относится к искусству, он на несколько часов превратил выставочный зал картинной галереи в творческую мастерскую.

Современный рынок насыщен самыми разнообразными материалами – химики постарались на славу. Если раньше мастеру самому приходилось готовить краски необходимого цвета и качества, экспериментальным способом подбирая ингредиенты, то сегодня за него эти опыты в промышленном объеме проводят заводы художественных материалов.

Правда, широкий выбор готовых материалов отнюдь не должен ограничивать художника: если мастер перестает фантазировать, смешивать, искать, экспериментировать – вряд ли он сможет совершить поразительные открытия в области живописи. Подбор холста, кистей, красок – основа творчества. От того, что предпочтет художник, зависит, получится шедевр или нет.

Почему картины голландских мастеров переживают века, а работы современных живописцев разрушаются через десятилетия? Все дело в отношении к собственному творчеству - убежден художник.Можно подойти к картине так: взять лист бумаги с недостаточной плотностью, привередливые краски, которые будут сбиваться крупинками и попробовать написать какой-нибудь пейзаж в технике «по мокрому». Но вряд ли результат впечатлит: бумага при намокании будет в лучшем случае быстро и неровно промокать, в худшем – скатываться комочками.

Получается, что результат зависит не только от талантливости автора, но и от качества материалов, с которыми он имеет дело. Можно писать одними и теми же красками на бумаге с разной текстурой, и результат будет впечатляюще разным. На одних листах краски скользят как по маслу, создавая причудливые сочетания и узоры, которые подвластно создать только самой природе. На других – как-то неохотно, лениво растекаются, обрываясь неуклюже, словно застряли на полпути.

Краски тоже бывают разные… Будь то гуашь или акварель… В зависимости от состава краска одного рода тоже ведет себя по-разному: одна более упругая и вязкая, другая растекается легко и однородно…С помощью техники рисования по сырому листу даже неискушенный художник и просто любитель может создавать настоящие шедевры. На мастер-классе автор романтических пейзажей показал, как причудливо могут вести себя краски, если дать им свободу. Растекаясь по сырому при наклоне листа бумаги под разным углом, краски смешиваются и создают такие сочетания и переливы цветов, которых художнику никогда не достичь при работе с кистью.

Особенно замечательно получается небо… На мокрый сине-голубой фон капнешь несколько жемчужно-белых капель и заклубятся пушистые, нежные майские облака… Или протянутся воздушные полоски перистых, если подержать лист долго под одним углом. Кстати, художник заострил внимание зрителей прежде всего на технике и на инструментах, которыми должен работать мастер. Именно техника живописи порой скрывает секреты волшебства.

Например, чтобы рисунок передавал разную фактуру материалов, нужны разной жесткости кисти. Непревзойденный Шишкин рисовал грубые материалы – камень, кору деревьев – щетинными кисточками, а листву и небо – более мягкими – колонковыми. В былые времена, художники сами готовили краски. Например, чтобы передать фактуру стекла, добавляли в краски лак. Владимир Пантелеев убежден, что при разнообразии современных художественных материалов необходимо экспериментировать - результаты будут удивлять. Обыкновенно художники используют мастихин -тонкий художественный шпатель - для работы с маслом. Да, а кто сказал, что этим инструментом нельзя работать с акварелью и гуашью?

Как нарисовать картину в технике монотипии?

Вы наверняка видели такие картины, на которых краска легла так, словно до сих пор не высохла, а тонкие линии, фактурные цветовые сочетания, причудливые формы и воздушные переходы заставляют засомневаться в том, что к картине прикасалась кисть художника. А кисть и в самом деле прикасалась к картине только опосредованно. Такие произведения создаются при помощи оттисков…

Но обо всем по порядку. Любите рисовать? Тогда освоение новой техники доставит удовольствие и вам, и вашим детям. По своему характеру эта нетрадиционная художественная техника скорее напоминает игру… Но результаты вполне впечатляют.

Для того, чтобы нарисовать картину в технике монотипии нам понадобятся краски (гуашь, масло или акрил), вода, бумага и лист стекла или пластика. Желательно прозрачного, иначе вы потеряетесь в цветах: окрашенные поверхности не дают возможности точно ориентироваться в оттенках. Итак, на куске стекла вы рисуете будущий пейзаж или букет цветов или что на ум пришло в этот момент. Желательно работать быстро, чтобы краска не успела высохнуть. Акварель здесь не подойдет – слишком быстро сохнет и эффект дает жесткий, зато другие материалы, применяемые в этой технике, с успехом достигают эффекта «акварельности».

Кисти лучше выбирать более жесткие, чтобы краску хорошо держали и меньше скользили. Можно работать и другими инструментами (разными фигурными шпателями и подручными подходящими средствами), главное, чтобы картинка получилась.Когда картина готова, то стекло переворачиваем и прижимаем плотно к поверхности бумажного листа. Или можно наоборот, на расписанную поверхность наложить белый лист и, осторожно прижимая руками, отпечатать на нем задуманное. Вот и все – монотипия готова!

Только когда будете рисовать, не забывайте о принципе зеркальности, в противном случае вместо надписей и разумных сюжетных построений может получиться абракадабра. Хорошо для картин, сделанных с помощью оттиска, использовать акриловую краску. Её сочные цвета практически не теряют яркости при отпечатках, а консистенция позволяет создавать экспериментальные необыкновенные цветосочетания. Щедро нанося краску на стекло, главное – не переборщить с толщиной слоя, иначе причудливые лепестки превратятся при отпечатывании в непонятной формы кляксы.

Многие современные художники редко прибегают, или вообще не прибегают, к этой технике рисования, поскольку она весьма трудоемка. Но, заметим, экономична: краски для отпечатка нужно не так уж много, а белила в монотипии вообще не используются – белый цвет получается за счет удаления краски.Монотипия – это техника создания только одного – уникального – отпечатка. С греческого этот термин так и переводится: «моно» – один, «типос» – отпечаток.

Можно, конечно, снять несколько отпечатков с одной заготовки на стекле. Но это в любом случае они будут разные – по яркости и сочности, и даже, возможно, по форме. Практичные американские художники превратили монотипию в безотходное производство: оставшиеся на стекле краски (а это та же картина на стекле!) оформляют в рамочку и продают как самостоятельное произведение искусства.

Художники очень редко используют монотипию в чистом виде. Как правило, она применяется как часть смешанной техники. В отпечатанном на листе бумаги сочетании форм и красок художник угадывает близкие ему образы и дорисовывает то, что видит, уже на бумаге с помощью кисти. Например, известный питерский художник-монотипист Лилия Цыбизова обожает с помощью этой техники рисовать цветы. И такие картины по-настоящему выигрывают: лепестки получаются как живые – нежные, тонкие, полупрозрачные. И в целом воздушность картин придает им душевность и какую-то ностальгическую нотку: отпечаток – это как фотоснимок. Ведь остановленное мгновенье неповторимо. И монотипия как-то особенно остро дает это почувствовать.

А для непрофессионального художника такая техника – один из новых способов выразить сиюминутные эмоции и настроения (работать нужно очень быстро – краска сохнет), да и просто получить удовольствие от собственных художественных способностей и непредсказуемости поведения краски на стекле. Кстати, стекло и разный пластик по-разному отдают краску, в итоге одни и те же усилия дают разный результат. В этой технике хорошо работать с детьми. Ошибся? Не беда – все поправимо. Вытер стекло и нарисовал заново. Здорово, правда?